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Luminismo estadounidense

Ahora les comparto una corriente de pintura estadounidense que se llama Luminismo americano que se desarrolló en a mediados del siglo XIX. Los luministas son paisajistas que buscan retratar los juegos de luz en una naturaleza. La idea es que el pasaje natural asombre y maraville al espectador.  Hay una gran preocupación  por representar el paisaje  como símbolo patriótico y de orgullo nacional, además de buscar un estilo pictórico propio de Estados Unidos, y es que para muchos artistas de la época, Estados Unidos carecía de una tradición artística clara.
Creo que el  grupo de luministas más famosos son la Escuela del Río Hudson. Aquí les dejo una pintura de Thomas Cole que es uno de los miembros más importantes de dicho grupo, se titula The fountain of Vaucluse  o El manadero de Vaucluse (1841)
Finalmente, les dejo una pintura que me encanta, es del artista John F. Kensett. También forma parte de la Escuela del Río Hudson pero no es tan conocido como Thomas Cole. Esta obra se llama The view of the Shrewsbury River, New Jersey o  Vista del río Shrewsbury, Nueva Jersey  (1859)
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Manifesto

Les quiero recomendar una película que se llama Manifesto (Julian Rosefeldt, 2015).  La película es más una pieza de arte que una película convencional. Cate Blanchett es presentada como trece personajes en diferentes situaciones  y cada uno va declamando varios manifiestos artísticos, recuerdo el manifiesto del Dada, del surrealismo, del situacionismo y del pop art.  En lo particular me agradó mucho, sólo que el contenido de manifiestos a veces es difícil de seguir. Aquí les dejo el trailer:

Impresionismo Ruso

En esta entrada les hablaré un poco del impresionismo ruso, particularmente de los pintores Konstantín Korovin y Sergei Vinogradov, quienes me parecen son dos de los mejores exponentes del impresionismo ruso.
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Retrato de Konstanti Korovin por Valentín Serov, 1891

Ambos llevaron su arte a otras actividades. Korovin, quien fue el que llevó el estilo impresionista a Rusia después de un viaje que hizo a París en 1885, pintó escenografía para teatro y opera, diseñó la sección de Asia Central del pabellón del Imperio Ruso para la Feria Mundial de París de 1900, y en la Primera Guerra Mundial trabajó con el ejercito para realizar el camuflaje de las tropas rusas.  Por su parte, Vinogradov se involucró en la producción de carteles apoyando el esfuerzo militar ruso en la Primera Guerra Mundial, decoró el Kremlin en Moscú por el festejo del primer aniversario de la Revolución Bolchevique.

Creo que es pertinente mencionar que Korovin es más propio del siglo XIX y por tanto, un pintor más cercano a la Rusia zarista, sus temas y motivaciones tendrán que ver con la vida campirana rusa y después de visitar París, tendrá una obsesión por la ciudad francesa. Siendo más tardío, Vinogradov tendrá más cercanía con el gobierno soviético y será considerado como parte del arte soviético y ya no ruso, expresión de la cual, el Partido Comunista ruso intentó separarse.

A continuación presento algunas obras de los artistas. La primera se titula Un idilio nórdico de Korovin, datada en 1886, considerada una de las mejores obras del artista.

780 Konstantín Alekséyevich Korovin - 12 Idilio del Norte - 1886

Un idilio nórdico de Konstantin Korovin, 1886

Ahora bien, aquí están dos obras de Vinogradov, la primera se llama Yendo a trabajar de 1895 y la segunda se titula Brillo de sol, en lo personal es mi pintura favorita del artista.

 

Bill Viola

En esta entrada les quiero compartir un poco del trabajo de Bill Viola, uno de los artistas más influyentes en el videoarte. Para los que no ubiquen del todo el videoarte, es una forma de arte contemporáneo que utiliza el video como medio de expresión. No es cine o televisión, en realidad el videoarte usa imágenes en movimiento y sonido para provocar una experiencia estética pero no comunica mensajes en el sentido tradicional de la televisión, ni tampoco tiene una narrativa tradicional como el cine. Piensen más bien en secuencias de imágenes hilvanadas por una cierta temática. Si les interesa el tema les recomiendo que busquen la obra de Nam June Paik y del movimiento Fluxus que empezó a experimentar con el video  en los 60s,

Si no conocen la obra de Bill Viola, les recomiendo  The Passing (1991). Algunos dicen que es un video experimental, otros dicen que es documental y hay quienes le llaman videoinstalación. El punto con The Passing es que no se van a encontrar con una estructura tradicional, no esperen ver una película. Son secuencias de escenas en blanco y negro que buscan expresar un mismo concepto: el paso de la vida a la muerte. Viola hizo esta obra a manera de duelo por la muerte de su padre y la sensación de inminencia así como de amenaza se hace presente en cada escena.

Se los recomiendo mucho, es fácil de encontrar en El Péndulo y en Gandhi. En Internet sólo hay fragmentos muy cortos, de hecho, aquí les dejo un video de un par de minutos. Disculpen la calidad pero es una grabación de una proyección en Sicilia. Espero les agrade:

Nicolas Winding Refn

Hola a todos:

De nuevo por acá, otra vez  trayendo una recomendación de cine. En esta ocasión les platicaré un poco del cineasta Nicolas Winding Refn (Copenhague, 1970) En mi opinión uno de los directores más originales de la actualidad. Ha hecho películas como The Neon Demon (2016), Only god forgives (2013), la trilogía Pusher (1996-2005) y una de mis películas favoritas, Drive (2011).

Sus películas tienen una cualidad muy contemplativa, tenemos escenas  de larga duración en las que el espectador puede observar cada detalle de lo que está viendo. A excepción de Valhalla Rising (2009) los mundos de Winding Refn son mundos cotidianos que brillan por su simpleza pero en los que suceden cosas extraordinarias que a simple vista no se ven. De pronto, Los Ángeles o Bangkok se vuelven mundos  surreales. Además, siempre sus películas tienen un gran contraste de colores, siempre juega con las tonalidades y es que el director no puede ver ciertas tonalidades de color así esto ha influido en la manera de dirigir.

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Fluxus

“Por lo tanto, el arte-diversión debe ser simple, divertido, no pretencioso, preocupado por las insignificancias, que no requiera habilidades o ensayos interminables, que no tenga valor ni institucional ni como mercancía. El valor del arte-diversión debe reducirse haciéndolo ilimitado, producido en masa, obtenible por todos y eventualmente producido por todos”

George Maciunas, Fluxus-Arte-Diversión, 1965

“El arte  ya no es un estilu emocional serio e importante, ni una tragedia sentimental, sino simplemente el resultado de la experiencia vivida y de la alegría de vivir”
Hans Richter, 1973

En esta entrada hablaré un poco del movimiento llamado Fluxus. Pues bien, antes de cualquier otra cosa, empecemos por el nombre. Fluxus significa flujo en latín aunque en realidad el  nombre completo del movimiento sería Fluxus-arte-diversión. Fue el movimiento más radical de los 60 y toma sus preceptos del manifiesto de George Maciunas  de 1965. La idea es ir en contra de toda elitización del arte, así como eliminar su condición como objeto de consumo. Pugna por un acercamiento del público al arte, la mutidisiciplina y la experimentación entre muchos medios. El arte, de acuerdo con este tipo de artistas, no debe ser aislado ni aislante, al contrario, debe entablar puentes de comunicación entre las personas. La brillantez del arte está en que tendría que expresar cosas complicadas de manera sencilla y en lo cotidiano. Se busca insertar el arte en la vida real alejada de los museos y del arte conceptual, así como tomar elementos cotidianos en el arte para, en las propias del manifeto, promocionar el arte viviente, el anti arte y promover la realidad no artística.

El ataque es en contra de todo arte que se aleje de la gente común y critican ferozmente la idea del artista como autor del arte. Fluxus tiene la firme pretensión de que todos pueden hacer arte, no únicamente aquellos que están involucrados en un sistema de control que se hacen llamar artistas.Es por esto que propician mucho los llamados Happenings, acciones en las que el artista  el publico se involucran en conjunto en una experiencia estética.  Al final, el arte debe tener la función social de comunicar a las personas. Por tanto, el arte aislado, intelectual y conceptual no sirve de nada.

Entre los exponente más renombrados tenemos a George Macuinas que en realidad era galerista y no artista pero que planteó los preceptos del movimiento, así como dio espacios para exposiciones. También está John Cage en EU, en Alemania tenemos a Wolf Vostell, en Japón a Yoko Ono, aunque hay muchos críticos que indican que Ono no realizó ningún aporte significativo al arte; y finalmente, el coreano Nam June paik, pionero del videoarte.

Aquí les dejo un video con diferentes ejemplos pasados y contemporáneos de arte-fluxus-vida. Todo lo que está en el video hay que entenderlo como maneras de provocar experiencias estéticas, no se trata de entenderlo sino de sentirlo

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El fotógrafo ciego

Conocí la obra de Evgen Bavcar, en español se pronuncia Eugen Bauchar, (1946, Lokavec, Yugoslavia) después de tener una entrevista con Benjamín Mayer Foulkes, director y fundador de 17, Instituto de Estudios Críticos. El Instituto estaba buscando a un project manager y yo había mandado mi CV,  fui a las oficinas  y al final la entrevista, Benjamín me regaló unos volúmenes de la colección Diecisiete, teoría crítica, psicoanálisis, acontecimiento que el Instituto había coeditado con CONACULTA.
El volumen 6 de la colección está titulado El fotógrafo ciego. Evgen Bavcar en México y está dedicado enteramente a la obra de Bavcar. Diversos autores escriben sobre la obra de Bavcar que no es únicamente fotográfica, sino que también abarca a la filosofía, y es que el antiguo yugoslavo, ahora esloveno, tiene una profunda obra sobre Adorno, Benjamin, Bloch y Lukács, particularmente en el campo de la estética. Ha escrito obras completas sobre Duchamp y lo que el llama el espíritu de la negación del arte que, de acuerdo con Bavcar, es el ímpetu que permea en el arte contemporáneo; además de escribir sendos ensayos sobre Picasso, Malévich, Modigliani y Kandinski.
En este volumen, particularmente el primer ensayo escrito por Benjamín Mayer Foulkes y titulado El fotógrafo siega, nos dice el propio Bavcar que él fotografía lo que imagina. Es decir, de acuerdo con él, “los originales están en su cabeza. Su labor consiste, entonces, en la creación de una imagen mental”(p.16). Continúa diciendo que hay una necsidad o deseo de imágenes intrínseco en todo ser humano, la cual provoca un:

Espejo interiorizado, speculum mundi, que expresa nuestra actitud hacia la realidad que yace fuera de nuestro cuerpo. El deseo de la imagen es, entonces, el trabajo de nuestra interioridad que consiste en crear, a partir de cada una de nuestras miradas auténticas, un objeto posible y aceptable para nuestra memoria (p. 16)

En otro ensayo, titulado El significante negativo de Evgen Bavcar escrito por Luisa Ruíz Moreno, comenta el artículo de Bavcar totilado Significantes invisibles en el que propone una nueva semiología que él llama semiología negativa, en la que incorpora un llamado significante invisible que no es más que una segunda parte del significante. Según Ruiz Moreno, Bavcar nos habla que significante cuenta con una parte positiva y visible, y otra parte negativa e invisible a la vista, que tiene que ser penetrada por otras experiencias sensibles (p. 142) Sólo así podremos llegar a la verdad completa,  a observar lo invisible en lo visible. Nuestro fotógrafo ciego  lo puede hacer por no distraerse con el significante positivo.

Todo el volumen es muy recomendable y tiene diferentes visiones sobre el trabajo de Bavcar. Además de que cuenta con recopilación de la obra fotográfica de Bavcar. Aquí les dejo la referencia completa del volumen: El fotógrafo ciego. Evgen Bavcar en México. Comp., de Benjamín Mayer Foulkes; trad., de Claudia Itzkowich Schnadower, Una Pérez Ruiz, Conrado Tostado, Nadxieli Trizar, fotos de Evgen Bavcar. México: 17, 2014.